¿Se acuerdan de los Power Rangers que pasaban en canal 5? Ya está en las salas de cine de La Paz. Fotos: Internet.

Kinetoscopio

Por Marco A. Hernández Maciel

Calificación: ***** Entretiene

La Paz, Baja California Sur (BCS). ¿Recuerdas a los Power Rangers? Aquellos personajes que en 1993 llegaron a la televisión tomando mil referencias de series y películas japonesas de enormes monstruos y héroes anónimos, donde un grupo de adolescentes adquiere poderes sobrehumanos gracias a unas endebles armaduras y maneja robots gigantescos con peor fachada que un Playmóbil, todo para pelear contra criaturas creadas con hule espuma que al contacto con las espadas de plástico se deshacían en cientos de pedazos. Esa serie que al final siempre dejaba la moraleja del trabajo en equipo, el esfuerzo y el compañerismo. Recuerden, la pasaban en el canal 5, o quizás en el canal 10 antes del Pulso del Mundo de Francisco King —la memoria puede llegar a fallar a veces.

Y ahí donde falla la memoria nuestra mente inquieta crea obras de poder descomunal. Los invito a que busquen un episodio de aquella serie original. Algunos quizás se emocionen, otros quizás se desencanten. ¿En donde quedaron esas épicas batallas, esas increíbles coreografías de acción, aquellos efectos especiales espectaculares, aquellas caracterizaciones monstruosas que podían crearnos pesadillas? Han estado incubándose durante 24 años en nuestra memoria y su evolución acaba de llegar a las pantallas de cine. Este reboot de los Power Rangers no es otra cosa más que el resultado de una larga hibernación que esos personajes han experimentado en nuestro subconsciente. Y es un resultado sumamente acertado.

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El director del filme, Dean Israelite, tenía nueve años cuando debutaron los Power Rangers en televisión. Como muchos de nosotros, fue parte de esa generación que se deslumbró  por estos personajes y quizás por ello decidió olvidarse del tono infantil y se involucró en un campo más terrestre, con la cámara siendo parte de la acción en una puesta en escena que recuerda mucho a Chronicle de Josh Trank, tanto en imagen como en acciones. Vaya, si no fuera por la escena inicial –que es fundamental no perderse– cualquiera pensaría que el filme es sobre “la redención de jóvenes delincuentes” o “el descubrimiento de la vida real”. Y aunque pudiera parecer innecesario, la producción aprovecha ese recorrido para desarrollar los arcos de cada miembro del equipo y de como empieza el descubrimiento de los seres en los que se están convirtiendo. Y con los riesgos que conllevó, esta introducción sirve para crear empatía con estos nuevos Rangers menos ñoños y perfectos que sus originales.

Sin embargo el filme va dejando poco a poco esa tonalidad azulada y depresiva y se convierte en una película totalmente diferente. Alguien que por alguna razón dejara la sala a los 15 minutos de inicio y regresara faltando 15 para el final seguramente pensaría que se equivocó de sala. Cuando vemos la aparición de la villana Rita Repulsa, el filme se convierte en todo lo que la serie original mostraba. Toda la incoherencia de un universo creado solamente para entretener y dejar una moraleja de fácil ejecución, acción sin sentido, valores reusables, lugares comunes, robots enormes, trama hueca. La fotografía se olvida del tono inicial para saturar de colores y luz en las batallas sobre Angel Groove. El filme se convierte en una versión extendida de cualquier episodio de la serie original de 1993, donde sustituyen a un ejército de hombres en mallas por criaturas en CGI, y a enormes robots torpes y frágiles por una batalla computarizada. La producción no esconde su deseo de la exageración y luchan para liberarse de cualquier elocuencia posible. Es un espectáculo visual donde el universo está en riesgo y entre más inverosímil sea todo, mucho mejor.

Los Power Rangers se han renovado para todos aquellos niños que fueron atraídos por la serie original. No busca crearse un público nuevo, sino apelar a la nostalgia de esa generación que hoy todavía busca su lugar en el mundo. La película sabe lo que quiere, conoce bien a su audiencia y le ofrece un producto que coquetea con una versión realista de los personajes con la única intención de situarnos en 2017, para después abrirle la puerta al desbordamiento irracional que es el sello de estos peculiares héroes noventeros. Ante eso, sólo queda hacer mórfosis y exclamar ¡Go Go Power Rangers!

La calificación de Kinetoscopio:

5 Estrellas: Clásico imperdible

4 Estrellas: Bien actuada, escrita y dirigida

3 Estrellas: Entretiene

2 Estrellas: Sólo si no tienes otra opción

1 Estrellas: Exige tu reembolso

0 Estrellas: No debería existir

“La Bella y la Bestia” ya está en las salas de cine de La Paz. Fotos: Internet.

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Por Marco A. Hernández Maciel

Calificación: ***** Bien actuada, escrita y dirigida

La Paz, Baja California Sur (BCS). Hagamos cuenta que no existe la versión animada de La Bella y la Bestia de 1991 y otorguemos a esta versión live-action protagonizada por Emma Watson y Dan Stevens: la oportunidad de ser valorada íntegramente por lo que ofrece en sus 132 minutos en pantalla. Démosle esa oportunidad a pesar de usar las mismas canciones, ser muy parecido el guión y algunas escenas, ser una recreación casi idéntica del filme animado. Hay que darle esa oportunidad porque les quiero asegurar algo: se la merece.

La Bella y la Bestia dirigida por Bill Condon es un espectáculo visual bien armado, minuciosamente planeado y elaborado con una maestría casi artesanal. Nos regala secuencias musicales que se equiparan a las de antaño, pero con la agilidad y dinamismo que requieren los tiempos actuales. Aprovecha el carisma de sus actores, resaltando sobre todos a Emma Watson, quien interpreta a una Bella que busca salirse de su odiosa rutina ante un pueblo que la acusa de ser diferente. Donde diferente significa ser independiente, tener inventiva y saber leer.

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En el caso de la Bestia, debemos decir que es uno de los puntos débiles del film. Si bien la actuación de Dan Stevens busca irse desprendiendo poco a poco de todas las capas de odio que atormentan a su personaje, hay una que nunca logra sacudirse y hace que demerite el trabajo de una producción de este tamaño. Me refiero al odioso CGI, animación por computadora que utilizaron para recrear el rostro y gran parte del cuerpo de la Bestia y que no aporta más que una sensación de incomodidad y desconcierto ante todo el espectáculo que la cinta ofrece. En este caso la utilización del CGI más que ser de utilidad y dotar de mayor carácter al personaje, funciona como un recordatorio de que nada de lo que vez en la pantalla es real, de que todo es un montaje, haciendo que el hechizo cinematográfico no logre su cometido al cien por ciento.

Por otro lado, la utilización de este recurso funciona perfectamente para todo lo demás y respaldado por un gran elenco con las voces de Ewan McGregor como Lumiere, el candelabro; Emma Thompson como Mrs. Potts, la tetera; Sir Ian McKellen como Mr. Cogsworth, el reloj; y Stanley Tucci como el maestro Cadenza se convierten en personajes entrañables que logran desplegar su magia y son en gran medida los vehículos para que el filme se sienta ligero a pesar de sus más de dos horas de duración.

Este filme estuvo pensado para ofrecer un espectáculo cinematográfico y cumple su comeitdo a la perfección. Junto a La La Land, ¿será este un indicio de que los musicales están de vuelta en la gran pantalla? En una época donde el mundo parece caerse a pedazos, qué mejor receta para unir mentes y espíritus que la música y la imagen. Qué mejor manera que deslumbrarse ante colores llenos de vida y vibraciones musicales que activan los sensores encargados de enchinar la piel y mover los pies de manera alegre y querer pararse a cantar junto a otros cien asistentes a la sala cinematográfica. Qué mejor receta que cantar Bonjour en una villa francesa o ser huésped en una mansión encantada donde las teteras hablan y el invierno es eterno, con la eterna ilusión de que por fin podremos ver de nuevo salir el sol.

La calificación de Kinetoscopio:

5 Estrellas: Clásico imperdible

4 Estrellas: Bien actuada, escrita y dirigida

3 Estrellas: Entretiene

2 Estrellas: Sólo si no tienes otra opción

1 Estrellas: Exige tu reembolso

0 Estrellas: No debería existir

“Kong, la Isla Calavera” ya está en las salas de cine de La Paz. Imágenes: Internet.

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Por Marco A. Hernández Maciel

Calificación: ***** Sólo si no tienes otra opción

La Paz, Baja California Sur (BCS). Nunca se había visto a un Kong tan grande en pantalla. 30 metros de descomunal fiereza, fuerza y agilidad, pero que no le alcanzan para salvar una producción que en el papel parecía una pieza decente del cine de monstruos. El Kong más grande en la historia del cine y de ese tamaño la decepción que deja esta película.

El director —un casi desconocido Jordan Vogt-Roberts— pensó que sería una idea genial recrear la atmósfera y el mundo de Apocalypse Now pero en la búsqueda de un mono gigante. Sí, con todo y napalm, bocinas en los helicópteros, travesías acuáticas y tomas a contraluz en tonos sepia, con una exagerada utilización del CGI. Además, pensó que la ridiculización de la guerra quedaría a tono para una aventura de estas dimensiones por lo que se las ingenió para dar con un guión que parodiara la labor de las fuerzas armadas y, si esto no fuera suficiente, sacarse de la manga un bobblehead de Richard Nixon para decirnos que no pasa nada y que realmente nada de lo que pasa en la pantalla importa.

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Con todo esto y un casting que cualquier director envidiaría: Tom Hiddleston, Brie Larson, Samuel L. Jackson, John Goodman y John C. Reilly, nos deja una sensación de desperdicio tremenda, una sucesión de imágenes tan espectaculares como vacías gracias a una historia que no se justifica a sí misma más que como un medio de explotación de mitos cinematográficos que pretende convertirse en una renovada franquicia que se extienda, al menos, hasta la rumorada versión de Godzilla vs. King Kong a estrenarse por allá del 2020.

Es por eso que nos presentan a un Kong de 30 metros de alto, muy fuerte y muy ágil que podrá en su momento subirse al ring contra el enorme lagarto de origen japonés. Para referencia, en la película de 2005 de Peter Jackson, King Kong tenía una altura aproximada de 8 metros, pero si empezamos a hablar de alturas cinematográficas, a pesar de que esa versión tuvo opiniones encontradas, este reboot no le llega ni a los tobillos.

De igual forma, si recordamos la más reciente versión hollywoodense de Godzilla de 2014 dirigida por Gareth Edwards, que se encuentra en el mismo universo fílmico de esta nueva versión de Kong, nos ofrece un tono de tragedia y realismo que trasciende la presencia de los monstruos y logra situarnos en un mundo a punto del colapso con la evidente tensión que eso puede generar. Y más importante aún que la película a pesar de sus fallas y cuestiones criticadas como el hecho de que Godzilla aparezca menos de 15 minutos en pantalla, se degusta como un producto único y con un concepto definido. Algo que esta reinvención de Kong no logra en lo absoluto, a pesar de ver al monstruo en pantalla mucho más tiempo y de secuencias de acción espectaculares aunque demasiado artificiales gracias al uso excesivo –o mal uso– de los efectos digitales.

Se rumora que en un momento Guillermo del Toro pudo haber dirigido esta película, esto sin duda le hubiera dotado de personalidad única a este film que es un un collage de machincuepas vistas en otro lado. Y también cuando empezamos a hablar de un film en términos de lo que hubiera podido ser en vez de lo que ofrece, es tiempo de ponerle punto final al texto, pues queda poco y nada que decir salvo que tenemos en la pantalla un producto con muchos recursos a su disposición, pero que no logran cuajar entregando una película sin personalidad ni originalidad. Roguemos que Godzilla pueda salvar este desastre.

La calificación de Kinetoscopio:

5 Estrellas: Clásico imperdible

4 Estrellas: Bien actuada, escrita y dirigida

3 Estrellas: Entretiene

2 Estrellas: Sólo si no tienes otra opción

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0 Estrellas: No debería existir

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Por Marco A. Hernández Maciel

Calificación: ***** Bien actuada, escrita y dirigida

La Paz, Baja California Sur (BCS). ¿Puede el cine de superhéroes ser más que acción, cuerpos bien esculpidos y muchos efectos por computadora? ¿Puede el cine de superhéroes ir más allá que el simple entretenimiento y buscar una empatía con el público mediante el sufrimiento y la decadencia de estos seres súper poderosos? Sí. Afortunadamente sí.

Logan, el último film de la saga Wolverine para Hugh Jackman, explora el sentido inverso del ascenso del héroe, entregando una historia donde éstos ya no existen y los que aún tienen esa etiqueta, quieren dejar de serlo. Logan ya no está interesado en su pasado, ni en el futuro. Ya no quiere seducir a la chica, ya no quiere salvar el mundo, ni salvarse a él mismo. Sólo intentar sobrevivir con lo que le queda y pasar desapercibido para aguantar un día más. Pero todo ese pasado que desconoce, que ha sido cambiado y reescrito en múltiples líneas del tiempo lo alcanza de nuevo y debe emprender una nueva aventura acompañado de su antiguo mentor el profesor Charles Xavier –en una impactante actuación de Patrick Stewart.

Con esa premisa, Logan toma un rumbo diferente en la producción y puesta en escena. Se aleja de la tecnología y los recursos ilimitados para abrirse camino por donde pueda, brechas, campos de cultivo, autopistas y carreteras olvidadas. Se cubre de polvo, se raspa, se tambalea, se llena la pantalla de sangre, de violencia y del salvajismo que los fanáticos del cómic clamaban por ver a Wolwerine en la gran pantalla. Aquí no hay miramientos entre los bandos enemigos, aquí las garras son para matar, las pistolas para asesinar y la boca para maldecir. Los puntos medios no existen cuando la sobrevivencia está en juego.

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De esta forma el director James Mangold, quien tiene una carrera destacada con filmes como Inocencia Interrumpida, 3:10 a Yuma, Misión Peligrosa, En la cuerda floja, así como la anterior película de Wolwerine inmortal, entrega un film que tiene mucho más de western y de road-movie, que de mutantes. Se aleja del canon establecido en las historias pasadas y a pesar de las dudas que podría generar, se atreve a transitar en el camino de la clasificación “C” y lo hace con autoridad, aprovechando la libertad creativa que un filme para adultos ofrece sin caer en lo grotesco o en lo necesariamente inapropiado.

El filme es sólo para adultos porque la historia así tenía que ser contada, porque Wolwerine ya no podía dar más como héroe para adolescentes y tenía que madurar, tenía que crecer y tenía que mandarlos a todos al fucking carajo y sonrojarse ante un par de senos desnudos. Tenía que convertirse de nuevo en Logan, el hombre detrás de los cómics que estaba enjaulado en la imagen de un héroe que clavaba sus garras sin derramar sangre y camuflaba las maldiciones con puros sin encender y mostraba su hombría en duelos de miradas contra Cíclope mientras buleaba el cuerpo afelpado de Bestia. Y lo consigue. De ese Wolwerine queda muy poco pero esto no es una pérdida sino todo lo contrario. Logan ofrece mucho más de lo que Wolwerine alguna vez pudo dar.

Y no es que todo lo anterior de Wolwerine haya sido malo. De hecho gracias a este papel y a su interpretación Hugh Jackman se ha convertido en una las máximas estrellas de Hollywood. Pero esta película no podría haberse hecho antes, llega en el momento justo para darle nueva vida al género en cine. En televisión Netflix ya nos había sorprendido con Daredevil, Jessica Jones y Luke Cage y en mi particular punto de vista, con el retiro de Hugh Jackman del papel, creo que la mejor forma de traerlo de vuelta con un nuevo actor sería en este formato, pues Logan y Hugh Jackman han dejado la vara muy alta y casi insuperable para cualquiera que se atreva a ponerse las garras, aunque se vista con  spandex amarillo.

La calificación de Kinetoscopio:

5 Estrellas: Clásico imperdible

4 Estrellas: Bien actuada, escrita y dirigida

3 Estrellas: Entretiene

2 Estrellas: Sólo si no tienes otra opción

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0 Estrellas: No debería existir

“Florence Foster Jenkins” ya está en los cines de La Paz. Fotos: Internet.

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Por Marco A. Hernández Maciel

La Paz, Baja California Sur (BCS). ¿A alguien le dice algo el intrincado nombre que recibió este filme en español? Florence Foster Jenkins fue bautizada en nuestro país como La mejor peor de todas. Hay traducciones de películas que han sido clásicos del sinsentido y muchos de ellos se dan  cuando el título original lleva el nombre de algún personaje, como el caso de Thelma & Louise, que en una brillantemente absurda decisión decidieron nombrarla en nuestro país como Un final inesperado, haciendo del final algo demasiado esperado y poco sorprendente. En nuestro caso, si bien el nombre de Florence Foster Jenkins no nos dice mucho, el título elegido es un repelente efectivísimo para evitar esa película a cualquier precio.

Pero a pesar de los esfuerzos negativos de los ejecutivos de la distribuidora, que además del nombre han estrenado esta película en La Paz ocho meses después de su estreno internacional, la calidad del film se sobrepone al nefasto nombre que eligieron para distribuirla en México. Florence Foster Jenkins –de ahora en adelante sólo mencionaré el original– es un filme sin muchas pretensiones que entrega una historia conmovedora y dos muy buenas actuaciones de la mano de Meryl Streep –quien no está absolutamente nada sobrevalorada como la protagonista que da título a la cinta– y Hugh Grant –quien deja mostrar varias arrugas con dignidad y parece dar un paso seguro en su carrera actoral interpretando a Saint Clair Bayfield, esposo de la señora Jenkins.

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Esta historia basada en hechos reales, se sitúa en Nueva York en el año 1944, donde la señora Florence Foster Jenkins es reconocida en un pequeño pero acaudalado grupo como una gran artista y cantante. Sin embargo, ese gran talento que presume y que es motivado por sus amistades más cercanas –incluyendo reconocidos directores de orquesta y entrenadores vocales– también es cuestionado por otro grupo que busca desacreditarla.

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De esta forma, el director Stephen Frears logra contar una historia sin complicarse mucho, apoyándose en el talento de sus actores y en un guión que funciona bien y está escrito de manera académicamente correcta. La puesta en escena denota la experiencia de todas sus partes y entregan un producto sólido, bien armado pero que carece de emociones más allá de lo estrictamente necesario, sin tomar riesgos o buscar algo más que contar una historia de vida. Asimismo, el diseño de producción nos transporta a esa época de manera creíble y nos hace olvidar por un momento que el año es 1944 y del otro lado del mundo la Segunda Guerra Mundial sigue devorando vidas, países y conciencias.

Florence Foster Jenkins es una película que va a lo seguro, y que si no fuera por la actuación de Meryl Streep y Hugh Grant, probablemente sería un material que estuviera destinado a algún canal de cable. Aunque en manos de otros actores, el ya de por si casi inverosímil caso hubiera perdido ese sutil toque de credibilidad que la señora Streep sabe implementar a su trabajo. Es gracias a ella que se logra encontrar el punto medio perfecto para tener ante nosotros a un mujer ridícula, aprisionada en su mundo de ilusión, sin que sintamos la necesidad de no reírnos de ella, sino sentir compasión y aplaudir el esfuerzo.

Florence Foster Jenkins era una mujer cuyas virtudes artísticas estaban sumamente sobrevaloradas, y para interpretarla se necesitaba alguien sin miedo a hacer las cosas de la peor manera posible, y sólo alguien con gran talento como Meryl Streep podría lograrlo. Solo alguien como ella para desafinar, romperte los tímpanos y seguir manteniendo una sincera sonrisa en tu boca mientras sigues escuchando a la peor cantante de la historia cuando salen los créditos finales de la película.